二、弗洛伊德人性艺术中的自我观照。
自画像历史的开始不仅可以作为重建艺术家的容貌及其内心世界发展变化的历史的图像资源，同时也是自我精神关照的开始。弗洛伊德的艺术生涯中自画像占据重要的地位，他自己也曾说过 :“我的作品纯粹是自传性的，也就是关于我本人以及我周围的世界，它是记录的尝试。我画的是我自己感兴趣的人，他们就在我生活和熟悉的空间里。我凭藉他们创作作品，有他们在我能更自由地工作。”[3]由此可见，弗洛伊德把自己艺术的创作都纳入到了自己的自画像范畴之内了。弗洛伊德为自己画了大量的自画像作品，他的自画像形式多样，有素描、版画、油画等形式，大量的自画像不仅成为画家本人探索绘画语言的一个途径，也成了画家自我精神抚慰的有效方式，将自我呈现给他者观看的一个途径。
“弗洛伊德创造了一种人人熟悉的感觉，从而把他和我们的现实联系起来，这可谓是非凡的成就。以可视的现实为基础，坚定地忠实于艺术，可以概括弗洛伊德的漫长而不平凡的发展历程。他创造出我们时代某些最刺激和不安的形象。”[4]弗洛伊德创作的自画像作品无疑是对这一评价的最好注解，自画像作品的流变折射出画家的心路历程。以弗洛伊德早期《自画像》（1939 年）（图 3）作品为例，构图相对比较拥挤局促，整个画面充斥着画布。其中人物的面部充满活力的生命个体彰显着向外展开的努力，似乎形成一个平面的效果。由此可窥弗洛伊德的早期画风：有节奏的笔触创造出浮游状的纹理和扇形的光斑，好似一股气流飘拂过画的表层留下的身影，好似水漫沙滩形成的浸渍。由于色彩变化是舒缓的，甚至是轻微的，画面表层具有结实的浮雕感，又有稳定的脉动。[5]进入 20 世纪 80 年代以后弗洛伊德的绘画呈现出老练、风格化趋势，这一时期的画风总体倾向更直率、坦然、自信与深沉。在他 1985年的《自画像》（图 4），画面注重空间的表达，更具真实的视觉震撼。此时的作品显得自由而从容，透露出艺术家充分的自信与率真。1993 美国大都会美术馆举办弗洛伊德回顾展中的自画人体描绘了他一手持调色板，另一手拿油画刀，脚上穿着一双没有系鞋带的旧皮鞋。这使人们不得不想起经常见到的大理石雕刻与古老的绘画中的古罗马斗士的姿势，这种形象一直流传到路易·达维德刻画的罗马裸体人像。[6]这幅作品成为他艺术创作的真实写照。他那深沉的表情，感觉似一个艺术殉道者的模样，由此可见弗洛伊德对艺术的态度与探索精神。弗洛伊德的自画像以平静的心态代替了内心的躁动，画家以自画像的形式将自己的内心呈现给观者，由此把内心的心灵深处的情感释放出来。自画像成为画家自我与世界对话的一种方式，给观众展示着自己的身体，这还是画家自我剖析和自我救赎的手段，也是自身人性本能的自我流露。
自画像不仅是艺术家自传式的记录，更重要的是其中渗透着艺术家强烈的个体自我人性意识。艺术家通过自画像这种艺术形式剖析自我、表现自我。因此，自画像也就成了窥视艺术家内心世界的一面镜子。画家本人既是作品的创作者也是被观看者，自画像成了了解画家最有效的一种途径。“图像如同文本和口述词一样，也是历史证据的一种方式。他们记载了目击者所看到的行动”[7].弗洛伊德的作品《有自画像的女人体》（1980年）（图5），画面描述了一个女性的裸体，蜷曲着身子侧卧在破烂的沙发上。在画面的右上角出现了画家的鞋子和腿部，作品里没有出现整个画家形象，只是一个局部的出现，腿部的动态表现出写生时绘画的典型姿势。画家和写生的模特也出现在同一画面中，让人无法分清哪是主观哪是客观，模特和画家的身份被统一在作品中。由此可见作者对于自身表达的渴望，当艺术家进行创作时，他们描绘的是自身内心的观看对象。在这种复合型的既有模特又有作者自身的画面中，体现出艺术家在观察、探索作为对象的“我”的同时，还要将观察到的自我呈现在画面上。2005 年，弗洛伊德 82 岁时完成的另一幅作品《画家被一名裸体崇拜者惊动》（图 6），画面是卢希恩·弗洛伊德在画室里作画的情形，身边有一位年轻的裸体女模特坐在地板上，右手和头靠着画家的腿部，似乎在对画家倾诉或者祈求着什么。这幅作品表现的就是弗洛伊德平时创作时的真实情景，这其实也是老画家一生创作过程的缩影。旁边的裸女崇拜者可能是画家心中的麻烦，也可能是他灵感的来源，他的缪斯。
