绘画艺术论文（8篇专业范文）

　　绘画艺术是一种设计表现形式，通过对客观物象采用高度概括与提炼的具象图形进行设计，艺术是生活与感情的产物，优秀的绘画作品是艺术家对生活与和内心感情碰撞而产生的精神升华。本文整理了8篇“绘画艺术论文范文”，如下：

　　绘画艺术论文（8篇专业范文）之第一篇：绘画艺术与现代设计研究

　　摘要：现代油画艺术和设计是两个截然不同的学科门类，但是却相互影响，彼此吸纳营养，共同发展进步。现代设计元素的点、线、面、色彩以及形式法则等，为现代油画艺术提供了新的能量，默默地影响和改变着现代油画艺术的发展，使油画艺术更加大众化，为更多的人们所接受认同。尤其是近些年来,越来越多的油画艺术作品具有现代设计感。很多油画家把作品平面化、抽象化处理，用色大胆，具有很强的形式构成感。有的运用材料、肌理等消减了作品的绘画性,更多的强化了作品的设计制作感，有的则运用新的科学技术进行处理。这样的作品在各类展览中吸引了大家的眼球，迎来了不少掌声，并一步步地走向成熟。

　　关键词：绘画艺术,现代设计,设计元素

　　1工业革命前的“大美术”

　　设计的本质意义是设想、计划、预设一定目标并为此建立方案。艺术与设计关系非常的密切。早在原始人类打制的石器就已体现了实用与审美相统一的关系。

　　原始部落的图腾是一种能够代表氏族关系的符号,这种符号被认为是“设计的起源”。原始人们选择具有神秘感的动物或植物形态进行抽象,简化或者夸张变形,成为一种共有的符号,刻在同属一个部落的人们身上,作为本部落辨认的符号,除此功能之外,更主要的是祈求这些植物或动物保佑自己的部落生生不息,这是原始人类成产条件低下,战胜自然能力低下而对于种族延续的渴望的表现。这种图腾符号既是艺术装饰形式,而其中的抽象和夸张等表现手法其实已经融入了设计的要素。现代设计出现之前,我们暂称之为“传统设计”,也就是十八世纪之前的设计又被后人称作艺术设计,因为当时艺术和设计并没有严格的区分开来,设计同属艺术的范畴。这个时期人们的生产活动以手工业为主,艺术设计没有普及,主要为社会上少数的贵族服务的。

　　然而油画艺术是在十四世纪出现的,油画艺术在几百年的发展中与设计有着很深的渊源,两者之间有着密不可分的关系。在西方艺术史上,十八世纪“工业革命”之前的设计仍然是处于“大美术”或者说是纯艺术的范围之内的,然而西方主要的艺术形式就是油画艺术,这时候设计是西方绘画艺术中的“小艺术”。实际上那时候设计已经开始慢慢壮大,只是其独立性还没有被认可。

　　2 工业革命之后绘画艺术和设计的变革

　　工业革命之后,工业化机器开始投入生产,逐渐设计成了一个独立的部门。工业化生产给人们的生活带来了巨大的改善,同时也出现了很多问题:生产事故频繁发生、工业废水废气和垃圾污染了环境。这些问题固然是许多社会制度阶级关系造成的,但有一些问题是生产过程、产品功能、规格标准,以及外观形态的设计相关,这就要求物质产品的设计者必须具备一种新时代、新环境的设计意识和观念。众多产品商家在看到工业革命带来的问题之后,就开始雇佣艺术家进行改进产品的设计。

　　由于工业革命的的影响,艺术界在世界范围内轰轰烈烈地进行了一场“工艺美术运动”。现代设计是伴着工业革命产生的,而现代设计对西方油画艺术的发展有着一定的影响。“工艺美术运动”主张艺术家参与设计,提倡设计要与艺术相结合,要生产出艺术与设计相统一和谐的产品。现代主义设计崇尚功能至上、理性的设计原则,现代主义设计师以“少则多”为口号,然而,他们并非不要艺术,而是通过各种产品,包括家具、建筑等设计,把艺术进行抽象化、几何化、立体化,把艺术和设计巧妙的结合在一起,寻求新的艺术和设计的突破。”这个时期的油画艺术作品中已经有了一定的设计感,油画艺术发展进入了现代主义绘画时期。

　　“工艺美术运动”之后大部分艺术家致力于现代绘画艺术的创作中。现代油画艺术作品中渗透了设计性元素,现代设计中也能找到现代油画艺术的迹象,两者互参,并肩发展。

　　西方现代设计发展的高峰期是在1919年包豪斯设计学院成立以后。包豪斯学院的创始人是德国着名建筑设计师、艺术理论家沃尔特-格洛佩斯。学院办学主张设计要适应现代化大工业生产和生活需要,讲究设计产品要以功能、技术和经济效益为主导。倡导“艺术与技术的新统一”。包豪斯时期的绘画和设计仍然有着最紧密的联系。现代设计艺术学科的建立并不是说设计从绘画中脱离出来就与绘画毫无关系了。设计,可以借助现代科技手段来表现。所有这些内容的核心都在于传达信息、强调视觉瞬间效益及与观者的亲和感。我们发现设计与绘画作品大多都是以图形传达信息,以图形元素来表达画家与设计者对生活、对艺术的情感;同时设计与绘画在创作思维上都在于创新,通过画家对美的形式法则的特殊理解以自己独特的审美个性来表达,将个人主观意志的潜能发挥出来,以创作出新的形式美。这时绘画也不再模仿自然,从而追求形式,乃至强调设计的制作感,而弱化绘画性因素。将画面进行非三维的、理性的处理,增强了作品的可复制性,这就与设计作品相吻合。虽然包豪斯学院的建立使设计门类独立门户,但设计与油画艺术一脉相承,仍然有着千丝万缕的联系。

　　3 装饰艺术运动下的绘画艺术与设计

　　在工艺美术运动浪潮结束后,提倡艺术家和设计师要到自然中寻求自然美的本质,在创作上要用流畅的曲线去动植物的生长的线条,主张“纯艺术”与手工艺相结合的新艺术运动就开始了,但不久就让位与装饰艺术运动了。

　　饰艺术运动发生在二十世纪初,提出应该摒弃自然装饰风格,主张从传统艺术和设计中吸取创造元素;提倡机械美学,用简洁的抽象几何进行造型。排斥曲线和不对称的艺术风格,主张和采用直线和对称的抽象构成形式,色彩上尽可能用红、黄、蓝等原色。装饰主义运动给艺术家和设计师提供了新的启发,使绘画艺术和设计进一步拉近距离。这个时期的绘画作品多是采用简洁朴实的几何图案和简单的色彩装饰效果。如马蒂斯野兽般的色彩,毕加索笔下的立体的、几何的风格和蕴含其中的新的生命意义。

　　4“波普艺术设计”影响下的绘画艺术和设计

　　二十世纪中期,波普艺术设计在英国产生。二战之后,英国经济发展缓慢,在得到美国的资助之后经济得到了迅速的发展,社会经济进入了所谓的“丰裕社会”。这是波普艺术产生的基本原因。然而却造成了反主流文化、大众文化、享受、高消费等心理,影响最大的就是战后的新生代青年,他们是引导社会文化、艺术、流行时尚的先锋。

　　波普“POP”,源于英文单词“POPULAR”,其中文意思是通俗的、流行的、受大众喜欢的。从本质上讲,波普艺术是反对现代主义设计的。波普艺术追求大众化、通俗化的趣味,强调设计的趣味性。在艺术形式的表现上,利用罐头盒、汽水瓶、包装纸、牛仔裤等常见的工业产品和日常生活垃圾以及旧广告、电影明星照片等视觉形象符号作为艺术的材料,在作品中多采用夸张、组合拼置、模仿等表现手法。

　　这个阶段的艺术家们着眼于商品的视觉符号,直接利用这些视觉符号元素进行创作,从而表达自己的艺术思想观念。这种创作方法使绘画艺术更加趋于大众化,艺术创作题材以及表现形式也越发宽泛。着名的美国艺术家安迪·沃霍尔是波普艺术运动的领袖,早在1962年他创作了一些商品包装的雕塑,并且举办了展览,因而名声在外。可他的艺术创作有一定的局限性,形式过于单一。他利用各种产品包装或者名人的印刷头像的图像为元素进行创作,他把这些图案用丝网印的方式表现出来并进行重复的拼置,画面具有很强的制作感。如《玛丽莲·梦露》这幅作品,是安迪·沃霍尔1967年创作的,他用玛丽莲·梦露的肖像作为创作元素,将梦露的头像图形进行复制性的排列,画面构成形式简洁,机械式的复制体现出当时人们的生活单调和生存压力。

　　5 当代的绘画艺术和设计

　　当今社会是一个信息科学技术发展迅速、社会物质文明发达的复杂多变的社会。世界文化大融合,社会变得更加的开放和包容,在这样一个时代里,人人都追求自己的个性。此时的油画艺术和设计似乎联系的更加紧密了,油画艺术影响着人们的生活,同时社会中各种因素都给当代油画创作提供了新的元素。在当代,设计门类更加完备,无论是平面设计、产品设计、工业设计还是环境艺术设计、动漫设计、服装设计等等都与油画艺术紧密联系,影响着油画艺术的发展。油画艺术和设计的互相参考,绘画中融入了更多的设计元素,这些设计元素的使油画艺术产生新的活力,开辟了当代油画发展的新道路.

　　当代社会是一个文化多元化发展的时代,摄影、数码图像、电视、电影广告、宣传图片等等各种新元素涌入人们的眼前,这些新时代的产物影响着我们的审美情趣。大众媒体在我们的生活中到处可见,这些视觉信息无形中改变着我们对艺术对生活的理解,改变着我们的生活方式和审美观念。当代油画艺术也自然受到了新文化元素的影响,它延续了后现代的审美理念,艺术家借助新的媒介产物进行创作,在作品中融入了新的具有时代特色的元素,这些视觉元素符号的运用使油画艺术更加大众化,更贴近人们的生活,便于理解。而这些视觉元素一部分是现代设计的产物,这些元素我们在这里称作设计性元素。当代油画艺术进入了“图像时代”,这个时期油画艺术成了一种图像符号的再现,画面效果越来越图像化、数字化了、卡通化、网络虚拟化,油画艺术与设计的关系密切。

　　由上述各阶段的绘画艺术和设计的发展情况可以看出油画艺术和设计原本是一家人。在工业革命的冲击下真正意义上的设计独立门户,从“大美术”中分离出来,但仍然脱离不了与绘画的近亲关系。设计作品从油画艺术中得到启发,油画艺术中也出现更多更典型的具有设计元素的作品。发展到现代及当代,两者的关系越来越近,越来越密切。两者相互参考和借鉴,共同发展壮大。

　　参考文献

　　[1]郑立君，郑筱莹.西方现代艺术设计简史[M].上海：上海人民美术出版社，2005.

　　绘画艺术论文（8篇专业范文）之第二篇：试论张大千泼墨泼彩的绘画艺术

　　摘要：作为20世纪中国艺坛当中比较耀眼的大师，张大千无疑有着传奇的一生，更是有着卓越的艺术成就，张大千的泼墨泼彩绘画艺术所产生的影响也是深远的。通过对张大千泼墨泼彩绘画艺术的剖析研究，就能更深层次的认识到其绘画艺术的特色。基于此，本文先就张大千泼墨泼彩绘画艺术特征以及审美价值加以阐述，然后就张大千泼墨泼彩绘画艺术形成原因进行分析，最后探究张大千泼墨泼彩绘画语言以及产生的影响。通过从理论层面对张大千泼墨泼彩绘画艺术的研究，旨在能进一步的了解张大千的绘画艺术。

　　关键词：张大千,泼墨泼彩,绘画艺术

　　张大千泼墨泼彩绘画方法在20世纪60年代就已经成熟，在当时的发展中还是西方抽象艺术蓬勃发展的阶段。张大千的泼墨泼彩的绘画方法主要是脱胎于中国的古法，并进行了改编。张大千的泼墨泼彩绘画方法的应用打破传统中国画用色方式，从而形成别树一帜的绘画特色，丰富了中国画自身缺乏的视觉效果，所以能够称其为一代宗师。

　　一、张大千泼墨泼彩绘画艺术特征以及审美价值

　　（一）张大千泼墨泼彩绘画艺术特征

　　1. 技法特征。

　　张大千的泼墨泼彩绘画艺术的形成有着鲜明特征，从绘画技巧的层面而言，晚年的张大千在山水画的创新上达到了巅峰，这一时期创作出大量的作品，这也是对中国青绿山水表现技法的创新体现[1]。泼墨泼彩山水的创作有不同优势，一个是抽象山水，是色彩水墨融合的，一个是有传统绘画功底的，体现出北宋的趣味。绘画的技巧上通过泼和画进行结合起来，色和墨在水分高度饱和下相互渗透形成迷离的绘画效果。

　　2. 绘画特征。

　　张大千泼墨泼彩绘画的特征体现在多方面，如：第一，以没骨为主，形随立法。将没骨法作为基础，不适用线条来勾勒轮廓，采用墨或是彩进行描绘形体，张大千将形随立法方式和山水画的创作进行了有机的结合，在作品《长江万里图》当中，所描绘的风景气势磅礴，画面是对大块墨和色的运用，能给人身临其境的感受，采用没骨法将远近、主次、动静、虚实、层次化的呈现出来[2]。第二，布局变化多端。张大千泼墨泼彩绘画中的布局上模糊而虚，变化多端，有一河两岸的构图方式，有代表如《青城山通景屏》，也有群峰构图，代表的如《庐山图》。抽象和具象兼具，可达到雅俗共赏。张大千泼墨画的绘画方法并没有脱离中国传统绘画技法，是在此基础上进行融合西方色彩技巧，如《庐山图》的创作是在没有游历的情况下产生的，绘画过程中通过对传统笔墨比重的增加，将抽象山石以及具象树木进行结合起来，在处理上达到点染凝重，勾勒精到。第三，色彩绚丽，层次多样。泼墨泼彩的绘画方法的运用是把工笔和写意进行结合起来的，将泼墨和重彩进行了有机的融合形成了新的画风。

　　（二）张大千泼墨泼彩绘画艺术审美价值

　　张大千泼墨泼彩绘画艺术有着独特的审美价值，体现在几个层面，如在大众情趣审美价值层面。其作品雅俗共赏，受大众所追捧，虽然专业界有着不同的评价，但不能否认张大千的泼墨泼彩绘画作品有着普世大众审美的价值，能够和专业界的学术需求以及大众审美情趣相满足。再者，绘画艺术审美价值的独特性方面也有着体现，从张大千泼墨泼彩绘画作品的独特审美价值的体现来说，主要是由于张大千自身的绘画技巧的独特性，以及本人有着高贵孤独性格所致，其最为核心的审美价值是对传统技法的继承以及破解[3]。张大千泼墨泼彩绘画艺术的永恒审美价值方面，主要是体现在张大千的绘画符合开宗立派的条件，有着独特技法，以及深厚的绘画功底和创作语言、样式等，能够将其画作永远的流传。

　　二、张大千泼墨泼彩绘画艺术形成原因分析

　　张大千泼墨泼彩绘画艺术是综合性因素影响所形成的，通过对这些相关形成因素的分析，就能对张大千泼墨泼彩的绘画艺术有更多的认识和了解，主要从以下几个层面的原因进行分析：

　　（一）外部原因

　　1. 受传统绘画方法启示。

　　张大千绘画比较注重师法古人，所以研究大量名家的画作，张大千自己也认为自己并非是发明了新的画法，是从古人的画法当中继承而来，泼墨泼彩在中国的绘画史当中在发生着变化，唐代王恰泼墨艺术，宋代梁楷泼墨艺术，明代吴子仙“跪翻墨汁，信手涂抹，而风云惨惨生屏障间”，这些都是古人所运用到的绘画方法。张大千在绘画的过程中进行了吸收应用[4]。张大千比较注重临摹古画，在年轻时候就练就了摹古近真的本领，在临摹古画方面有着极深的功力。

　　2. 中西合璧。

　　由于多次的临摹经验，让张大千能经营纷繁复杂的画面。还有是张大千在海外也居住了多年，观摩大量西方的画作，这就为其中西合璧奠定了基础，在绘画过程中注重块面以及色彩的运用，在张大千看来，中西绘画没有很大的区别。在泼墨泼彩的绘画当中将中西方的绘画方法进行有机的融合起来，从而形成了张大千的泼墨泼彩绘画艺术的鲜明特色。

　　（二）内部原因

　　1. 个性使然。

　　张大千泼墨泼彩绘画艺术的形成受到个人性格因素的影响也比较显着，个性成为泼墨泼彩的一个重要的基础，在工笔以及泼墨、泼彩、写意等技法的表现上，都是和自身的性格有着很大原因的。一个人的个性能对整个人整体精神面貌有所反映，而张大千在个性上可通过“无不造其极”进行概括，在三十岁左右就已经是名扬四海，由于闻名比较早，所持续的时间也比较长，可以说是中国现代画坛的一个奇迹，而其性格对泼墨泼彩的绘画的特点呈现也有着很大的影响，体现在“极”上，绘画中摆脱工笔束缚，通过大碗墨肆意挥洒，对色彩把握，比较敢用重彩，有着大胆的变法，这就是性格所决定的。

　　2. 眼疾的催化。

　　泼墨泼彩绘画艺术特色的形成，从内部因素来看，眼疾虽不是最主要的原因，但也有一定的关系。五九高龄时张大千在巴西整修八德园用力过猛，伤及眼部，造成了视界模糊，随后的时间眼疾时好时坏，最终晚年右眼失明，左眼也有比较严重的病症，这就使得张大千在工笔画方面必然受到局限，在眼疾后医生嘱咐不能作画，这对于一个痴迷作画的人而言无疑是一个很大的束缚，“目疾日益朦胧，不复能细笔矣，此破墨略抒胸臆而已……”正是由于眼疾的出现使得张大千在泼墨泼彩绘画的时候在湖面的整体性上比较突出，泼墨泼彩斑斓艳丽。

　　三、张大千泼墨泼彩绘画语言以及产生的影响

　　（一）张大千泼墨泼彩绘画语言

　　从张大千泼墨泼彩的作品能够看到，浓墨和淡墨以及色彩是相互融合的，也有少量勾勒，只是作为点缀或反衬画面的墨和色。在泼墨泼彩绘画的语言表现来说，从几个层面加以阐述：

　　1. 笔与色。

　　张大千的泼墨泼彩绘画方法是源于中国画技法，而中国画比较独特之处就是笔墨，笔墨纸是特殊材料，也是形成中国画特殊风格的关键要素。按照描写技巧而言，中国圆峰笔有着特定功能，在进行勾勒的时候能够如意的进行横、平、曲、直，卷、曲、飘、举。而张大千晚年的时候是通过粗笔进行写意，风格的呈现上在晚年已经是转向了沉郁以及老苍，甚或是拙重[5]。另外，从色彩的运用上，张大千自身也说绘画，不只是用墨来讲水法，用色也有水法，在使用石青石绿的时候兑胶也要能够恰当，水分和色泽之间有着紧密的关系。用墨方面，墨色是接着胶汁浮力在宣纸上向前渗化，胶的大小就对墨色的呈现效果有着直接影响，如果是胶大就会造成气韵失衡，胶小就会造成墨色的干枯灰色，墨为形，水为气，只有将墨科学的运用，才能呈现出鲜活的画面。

　　2. 构图与秩序。

　　张大千泼墨泼彩绘画语言中的构图以及秩序的体现上也有着鲜明的特色，山水画经营布局集成文人画虚实以及黑白对比的空间布局意识，采用师造化打破文人画组合和填充的构图模式，如在其画作当中的《慈湖图》就是其泼墨泼彩山水代表作。构图上通过石青石绿混合墨色所成的面，交代起伏跌宕山体，山体的面积比较大而色泽也重，这种混沌朦胧的虚以及建筑苍松的实有着对比，也对传统以白作黑的构图观念得到了充分发挥，将湖水和山谷通过白色突出，把视线引到左边白色湖面和精致苍松处。

　　3. 肌理和色。

　　从张大千泼墨泼彩的绘画作品中肌理表现的情况能发现，表现力丰富，通过泼墨泼彩的水浸染效果呈现出来，这是独特的画法所形成的特殊肌理效果，也是张大千泼墨泼彩绘画所特有的绘画语言。肌理的丰富以及用色造型的多彩，成为其绘画的一个鲜明的特点，绘画当中对色的运用是和其个性的大胆有着很大联系的，吸取唐代金碧山水色彩营养，探索出自己的色彩造型的道路，用色上在有形和无形之间转换，以及偶然和控制当中游走，从而逐渐形成比较特殊性的绘画样式。

　　综上，能看出张大千泼墨泼彩绘画的语言受到传统深厚中国画的笔墨技法以及精神的启发，通过绘画语言和样式变法过程中也会有鲜明的中国画传统笔墨精神体现出来，在绘画的语言运用上也比较的纯粹、正气，其形成也是基于对传统笔墨和之后传统文化深刻剖析认识。张大千在绘画语言的运用上，和传统绘画审美要求是相符合的，绘画语言建立在中国画传统笔墨上，从绘画的样式上来看能找到唐宋绘画和敦煌绘画的影子。

　　（二）张大千泼墨泼彩绘画艺术产生的影响

　　张大千泼墨泼彩绘画艺术所产生的影响是深远的，可从几个层面来加以分析：

　　1. 绘画技法上的影响

　　张大千能获得如此高的成就，不只是在山水以及人物和花鸟的绘画技法上比较高，在对用笔用色上也有独特过人之处，曾模仿十余名家签名能够达到乱真的境界，在笔底的功力是比较深厚的。张大千也曾经提出线勾法需灵活不随意，有力又自然，在用色层面注重高雅。其人也收藏历代的名画真迹，吸收明清水墨画清淡雅致以及墨色变化及韵味，也从宋元绘画中吸收工整明丽特征，在敦煌壁画当中学习浓郁不过火重彩设色。泼墨泼彩的绘画技法对后世所产生的影响启发是比较大的，张大千在技法以及形式上都有其独特之处，丰富了中国画题材创作技法，泼墨泼彩技法对中国画各类题材创作都是适合的，将中国画水墨带入新奇层次中，水墨创作于是就增加了一个特别技法，这对后期绘画创作启发也是比较大的。

　　2. 传统笔墨认识的影响

　　张大千泼墨泼彩绘画艺术对后来的艺术家认识中国画传统笔墨也会产生影响，中国画的笔墨以及精神是有传承气质的，通常认识这些气质的时候是艺术家将其独立挖掘出的，没有真正分析研究，以笔者而言中国画精神最大气质是守旧创新，继承的基础上创新，这就是张大千在泼墨泼彩绘画艺术上特色的体现，张大千先生也可说是一个忠实执行者，从张大千个人绘画的历史而言，也是符合这一气质的，从继承传统笔墨守旧中找到中国画笔墨新意，这也是其成为一代宗师的一个重要基础。其在寻道以及得道中对后世绘画艺术家产生的影响也会比较大。

　　3. 绘画创作思想意识的影响

　　从张大千泼墨泼彩绘画艺术对后世所产生的影响体现来看，在创作思想意识上会产生很大影响。张大千坚持传统文人画象征原则，绘画题材以及画家精神境界以及价值观和文化立场等需要有内在联系，张大千的泼墨泼彩绘画是和中国传统文化的文以载道，物以咏志法则相符合的，这是对中国画精神维护保持的一个比较重要的法则。当前的中国画创作当中对视觉效果比较注重，选择光怪陆离的用色以及构图，而没有和中国画传统的经营位置以及随类赋彩戒训紧密结合，这就会失去中国画精神。而在张大千的泼墨泼彩绘画作品当中，能鲜明的看到中国画的精神，是从坚守的基础上进行的创新，从坚持传统文人画象征原则基础上将形式以及技法进行创新，这对后世的创作思想意识就会产生积极的影响。

　　4. 中国画视觉元素追求影响

　　从明清以来的文人画兴盛使得中国画发展进入比较高层次时期，画面意境追求以及个人修养追求都是以物载志体现在绘画作品当中的，此时的中国画对画面意境内涵有着强调，也注重道的追求。但是对于画面的视觉效果上并不是很重视，在张大千的画作当中对文人画传统笔墨以及精神继承的基础上，视觉效果改进上是成功的，这对后世绘画艺术家对中国画视觉元素追求方面也会产生比较短缺的影响，能够在画面表现上更为丰富。

　　结语

　　综上言之，张大千泼墨泼彩绘画艺术的特色鲜明，在色彩运用上反常态，用色用墨用笔相融合，发挥色彩的表现力，彰显色彩魅力，通过对山水画气韵的表现，也能实现对情感的表达，这对后世的中国画艺术家的绘画也会产生诸多的影响。当前中国画发展也要注重以传统中国画为基础，注重师法造化，只有如此才能展现个性。通过上文中对张大千泼墨泼彩绘画艺术的特色等研究分析，就能对其绘画艺术有更多认识了解，进一步的认识到张大千泼墨泼彩绘画的独特之处。

　　参考文献
　　[1]杨正国.张大千泼彩山水画研究[J].艺术评鉴,2018,(05).
　　[2]陶昌平.张大千泼墨泼彩绘画中的肌理探究[J].美术大观,2016,(10).
　　[3]陶昌平.张大千泼墨泼彩绘画技法中的“泼”对意象水彩画表现的启示[J].美术教育研究,2013,(15).
　　[4]彭永馨.张大千的绘画艺术对复兴中国画色彩的启示[J].内江师范学院学报,2010,(09).
　　[5]刘晨.浅谈张大千泼墨泼彩的绘画艺术[J].美术教育研究,2018,(11).