自1839年达盖尔发明摄影术算起，至今已有170多年的历史。在这170多年里，围绕摄影与绘画的探讨从未停止。文章针对两者的关系进行比较分析。
一、摄影与绘画简述
传统意义上的摄影，是光线照射到被摄物表面后的反射光线，通过镜头到达镜头后面暗箱里的感光材料上，使感光材料感光，再经过暗房后期显影、定影、印放等一系列过程得到影像。而到了数码摄影时代，传统的暗房工艺获取影像的方式被数字影像技术所取代。
绘画是画家用画笔、颜料等在画布、纸、墙壁等上面作画的过程。人们希望通过某种手段如绘画、雕塑等，以获得某人或某物的视觉图像。绘画也好，摄影也罢，只不过是人们在不断追求永恒的过程中发明的艺术形式。摄影与绘画互相补充，相互借鉴，以满足人们不同的需求。
摄影术发明之初，从事摄影并非是一件容易的事。摄影努力向绘画靠拢，竭尽全力模仿绘画，以期跨进艺术殿堂的大门。尽管当初有些画家极力反对摄影，但摄影精确再现物像形体的能力还是具有极大的吸引力。“大画家安格尔就在参与上书禁止摄影的同时，却也悄悄地使用照片作为绘画素材。”①法国画家德拉克洛瓦则对摄影持开放的心态，并惋惜摄影术出现得太晚，自己没能享受到它所带来的益处。
二、再现性与表现性
在摄影还没有发明以前，绘画是人们视觉记录最有力的方式之一。精确地再现对象一直是西方画家的执着追求。为了能够在二维的画面上塑造出三维的视觉效果，使所画的物体如同眼睛见到的一样真实，透视法成了西方画家的法宝之一。通过透视法，画家能够逼真地再现事物。
但从形式上看，最后的作品与现实事物之间缺少一种必然的联系。摄影的出现打破了这种疑惑。就准确地再现对象而言，摄影比绘画有着天然的优势。人们通过摄影得到的影像极为精确，这让我们更加确信摄影比绘画更具有客观、准确的再现能力。这也是摄影术发明不久以后，许多肖像画家纷纷转变艺术创作方向的原因。绘画渐渐改变了自己的道路——转向画家内心的情感表达，表现性成了追求的直接动力，如塞尚、莫奈、凡·高等。
三、时间性
西方绘画是架上艺术。画家作画需要过程，时刻与画架为伴，所以其无法脱离画架在特殊角度观察的局限。画家描绘的对象也有很大的局限性，静物或风景能长时间保持一个状态，而人物要长时间保持一个姿势就很困难。摄影则不同，瞬间曝光的特性决定了它比绘画在角度上具有更多的选择。摄影可以用非常规的角度进行观察，在极短的时间内凝固运动的物体，使我们更加细致地认识事物成为可能。
绘画创作过程必须保持相对较长的时间。画布上的每一笔都是画家观察对象并思考的结果。也就是说，画布上所呈现的是画家经过思考后的表现，每个色块都是思考的一部分，画家通过画面组织表现对象。而摄影则不同，它是在极短的时间内完成的，是对象在时间长河中的一个切片，是那一刻对象外表呈现的一部分。时间意味着流动，不停止，无论绘画还是摄影都是一段时光的凝结，只是时光长短与凝结的方式不同。
四、灵光与可复制性
哲学家本雅明在他的《机械复制时代的艺术作品》和《摄影小史》中，用“灵光”一词描述了摄影与绘画的差异：大部分的绘画作品被认为具有“灵光”而摄影却缺乏这种“灵光”。“什么是‘灵光’？时空的奇异纠缠：遥远之物的独一显现，虽远，犹如近在眼前。静歇在夏日正午，沿着地平线那方山的弧线，或顺着投影在观者身上的一截树枝，直到‘此时此刻’成为显像的一部分——这就是在呼吸那远山、那树枝的灵光。”②“他在《机械复制时代的艺术作品》文中又说道‘一件艺术作品中的灵光就是通过复制而丧失的’。”③灵光最重要的地方，除了上述的距离与物体的矛盾冲突以外，显然与作品的物质性、独一无二的感受性有关。在一系列的复制过后，复制品消解了作品的这一灵光，使其变成了商业市场中的廉价商品，街头快照馆内摄影是没有灵光的。
五、透明性
人们在观看一幅金字塔画作时会说：“看，这是某某画的金字塔！”但在观看一张金字塔照片时则会说：“看，这是金字塔。”
言下之意，照片比绘画更接近现实中的物体。两种不同的说法产生了一种很微妙的差异：人们观看绘画作品时，由于绘画作品的物理特性时刻提醒观者这是绘画，媒介一直浮现在观者与现实之间，人们很清楚面前的作品与现实中的物体之间的区别。
而摄影作品则不同，摄影师在按动快门时，被摄对象表面的细节都准确无遗地被记录下来，有些连摄影师都没有察觉，就是这种精确再现的能力拉近了观者与观看对象之间的距离。似乎照片给出了所有，观者面对的就是现实中的景物。从这个角度来看，摄影比绘画更加接近现实，更加透明。
透明性往往还与作品的清晰程度有关。一般来说，画面中物体边缘较清晰的能给人更加真实的感觉。如果画面上的笔触较明显，物体边缘比较模糊，则让人产生非真实的感觉。绘画中前景清晰背景模糊也常常用来营造三维的视错觉。有人认为，摄影照片越清晰就越真实，也有人反对这样的观点。表面上很清晰的照片，看上去并非就显得更加真实，如韦斯顿的很多照片。他拍的青椒、白菜看上去极其清晰，但观者总感觉与之距离遥远。清晰的照片画面不但没有拉近观者与现实的距离，反而使其陌生化了。这是因为他的照片所呈现的视觉感受超出了我们日常的感官经验。我们没见过这样清晰的“青椒”“白菜”，所以会产生陌生感。模糊的照片不见得就会让观者产生距离感，有时反倒会拉近与观者的距离。战地摄影师罗伯特·卡帕的《诺曼底登陆》就是很好的例证。模糊的影像恰如其分地反映了当时抢滩登陆时的紧张感和真实感。
结语
摄影与绘画是一对相互借鉴、相互补充的艺术活动，清晰地认清两者，才能有助于我们从事与之相关的艺术创作；只有对艺术加以合理的运用，才能充分发挥它们的作用。
注释：
①顾铮.世界摄影史.浙江摄影出版社，2006：8.
②（德）瓦尔特·本雅明.迎向灵光消逝的年代.许绮玲，林志明，译.广西师范大学出版社，2008：34.
③（比利时）希尔达·凡·吉尔德，（荷兰）海伦·维斯特杰斯特.摄影理论历史脉络与案例分析.毛卫东，译.中国民族摄影艺术出版社，2014：40.
参考文献：
[1]（美）苏珊·桑塔格着.论摄影.艾红华，毛健雄，译.湖南美术出版社，1999.
[2]林茨，王瑞.摄影艺术论.生活·读书·新知三联书店，2011.
