摘要：《幻乐之城》是国内首档沉浸式音乐表演类综艺节目, 其独创唱演结合的制作模式, 让节目嘉宾与幻乐导演组成拍档, 对音乐进行创意设计和剧情式呈现, 具有新颖性和独特性, 让受众获得全新的视听体验, 取得了较好的传播效果。
关键词：沉浸式,音乐表演类节目,创新策略
《幻乐之城》改变了传统音乐节目的制作模式, 将表演艺术、音乐和故事文本相结合, 每期4个“幻乐团队”各自打造8分钟的音乐故事短片, 让受众获得全新的视听体验。随着多媒体技术、全息投影技术等新技术在影视领域的应用, 音乐表演类综艺节目在传播空间、传播内容、传播模式等方面都有了新的突破。
一、改变传统音乐节目制作模式, 提供沉浸式体验
1. 创建观景舞台, 提供剧场式观影体验
《幻乐之城》节目打造了一个3000平方米的“幻乐空间”, 要求节目嘉宾在有限的排练时间和表演时间内完成音乐故事短片。对“幻乐团队”来说, 这是一个复杂的沟通过程, 也是精力和技术层面的挑战。首先, 各团队要在充分理解剧本内容的基础上, 对音效、摄影机位、唱演人的走位以及导播切换进行规划。其次, 制作周期短, 唱演人必须以近乎全程直播的方式完成8分钟的音乐故事短片。再次, 即使出现失误和穿帮问题, 后期也不会剪辑修片, 播出时节目会呈现真实的内容。总的来说, 每期节目要求完成4个不同的音乐故事作品, 这需要唱演人、导演、现场乐队多方默契配合, 演员不能重拍重录, 配乐灯光需要契合, 导播的机位切换要精准, 这种一气呵成式的制作手法, 为观众提供了剧场式的观影体验。
节目在唱演环节、情节铺设等方面也与其他音乐节目不同。在“幻乐空间”中, 音乐故事作品不仅要靠机位设计和镜头调度完成, 还要贴近受众的心理, 因而对创作团队提出了更高的要求。节目中与剧情融合的表演, 丰富了镜头画面, 弱化了具体的环境, 激发了受众的情感共鸣。比如在音乐故事短片《对不起》的表演过程中, 唱演人在卧室、天台、汽车内部、奶奶的房间等不同场景里穿梭, 主创团队在不足100平方米的空间里打造出“造梦工厂”。
2. 增加挑战难度, 呈现实时唱演画面
在《幻乐之城》的每期节目中, 音乐故事短片的创作具有一定难度。4组由唱演人和导演组成的“幻乐团队”, 其拍摄资源被分为ABC三个等级。在录制前, 每个导演通过抽签随机抽取不同等级的“幻乐空间”, 其中, A级资源拥有最好的资源配置, B级资源和C级资源依次拥有次一等级的资源配置。在限制经费的情况下, 团队需要呈现电影级别的画面。
由此可见, 《幻乐之城》节目具有很强的挑战性, 在近乎现场直播的前提下, 唱演人要与其他人完美配合, 把控故事节奏;导演要体现高超的现场调度水平, 注重音乐故事的创意、观演关系以及新技术的应用。在各方通力配合下, “幻乐团队”充分融合音乐、气氛、节奏等进行设计, 让受众更好地欣赏现场音乐故事演出, 获得沉浸式体验。由于现场演绎具有诸多不确定性因素, 节目呈现的实时唱演画面, 会类似于one take的MV, 即唱演人全程真唱真演, 随着剧情的推进, 唱演人在多场景中快速转场, 通过音乐、电影和现场结合的方式, 为观众呈现表演过程。
二、让观众融入故事情境中, 提炼故事的情感主线
1. 去竞技化, 以音乐微电影的方式调动观众兴趣
《幻乐之城》的一大创新体现在赛制的去竞技化上。不同于其他竞技类音乐节目, 《幻乐之城》化繁为简, 以音乐微电影的形式, 探索表演中的故事主线。音乐故事作品往往以一个故事为开端, 提炼情感主线, 让观众随着故事情节的展开, 沉浸到唱演人的情绪中, 这使得演出更具吸引力, 更能激发观众的兴趣。
《幻乐之城》由专业团队创作, 以音乐表演为载体, 由嘉宾提出创意, 完成电影级别的音乐故事短片。值得一提的是, 节目组隐藏了唱演人的麦克风, 不允许唱演人佩戴耳返, 在这样的前提下, 节目嘉宾全身心投入唱演, 不用担心淘汰问题, 受众也可以沉浸在情境中, 享受音乐故事带来的视听感受和情感震撼。比如在首期节目的《时光机》音乐故事短片中, 故事内容由唱演人任素汐的亲身经历改编, 讲述了任素汐儿时与父亲相处的点点滴滴。在短短的8分钟里, “幻乐团队”将任素汐与父亲玩捉迷藏、骑自行车等情境一一重现, 情节清晰, 情绪饱满。任素汐在演绎的过程中, 唱了一首《儿时》, 怀念与父亲一起度过的无忧无虑的童年时光, 体现了对父亲逝世的无能为力, 唱出了人间的美好和对至亲的思念, 感动了无数观众。
2. 注重价值引领, 发挥音乐的共情作用
对于综艺节目而言, 外在形式是节目的卖点, 传递的内容和情感是节目的核心。《幻乐之城》在对音乐传播进行深入研究和把握规律的基础上, 让节目内容与形式融为一体, 提升了节目的吸引力。
人们对音乐的鉴赏和社会认知有关。音乐不仅是人们对爱与美的想象和对世界感知的映射, 还是人们与外界沟通交流的方式。《幻乐之城》将目光对准大时代、大背景下的小人物, 把社会效益和价值引领放在首位。比如唱演人雷佳在她的作品《虹·光》中, 讲述了她在特殊教育中心慰问的经历, 不仅展现了她的情感和体悟, 还将受助儿童邀请到录制现场, 这种做法融合了艺术与公益, 传递了爱、温暖与希望, 体现了人文精神, 值得提倡。
三、打破传统观演模式, 营造沉浸式环境
1. 设置创意环节, 增强音乐的感染力
如果节目只是一味地演绎故事剧情, 后期可能会缺乏新意, 使观众审美疲劳, 难以保持关注度。《幻乐之城》通过设置创意环节, 让每期节目的观察员佩戴“心情手环”, 实时记录其心跳指数, 并将画面呈现给观众。同时, 在每一个“幻乐团队”节目表演结束之后, 主持人会邀请嘉宾上台, 让嘉宾对作品进行全面解读, 这可以帮助受众深入理解作品内容, 提高节目的关注度。
音乐和戏剧的传播介质不同, 给受众带来的体验也不同。在《幻乐之城》中, 不是唱歌好听或演技了得就能获得认可, 整个“幻乐团队”要协力配合, 作品的内容和表现力度要拿捏得恰到好处, 既要达到电影级的艺术水准, 又要引发观众的情感共鸣, 实现剧情表现、艺术魅力的合而为一。因此, 在作品创作过程中, “幻乐团队”要实现演唱人、导演、各工种工作人员以及各部门的良好配合, 才能达到最佳的呈现效果。《幻乐之城》节目将“幻乐团队”前期的彩排内容、中期的沟通协作以及后期的设计情境为观众一一呈现, 让观众感受到每个作品的用心和细致。
2. 创建“音乐+故事文本+表演艺术”的模式
《幻乐之城》每一期节目都是冒险和尝试。“幻乐团队”要在“唱+演”的方式和一镜到底拍摄模式的基础上, 充分结合音乐、电影、摄像、场景、灯光等多种元素来完成作品, 艺术性强, 挑战难度大。在节目拍摄之前, 唱演人、导演和实时伴奏的乐队, 分别位于拍摄现场、导播室和观影厅, 他们之间没有对接沟通的耳返, 主要靠机器拍摄灯是否打开, 音乐是否响起来判断表演进程。在8分钟的表演过程中, 伴奏和音乐主要通过工作人员的小音响移动来配合, 演员得不到导演的任何指令, 全靠音效和机位来判断剧情的展开。这种模式使得每个作品都有严格的要求, 既要保证配乐和音效的精准, 又要保证唱演人在情绪和节奏上的统一, 避免穿帮、出戏等现象发生。《幻乐之城》提供演出平台, 创建了“音乐+故事文本+表演艺术”的模式, 将音乐与电影画面呈现、电视直播结合, 让观众沉浸在故事与音乐现场情境中, 取得了较好的效果。
《幻乐之城》开始制作之前, 主创团队赴美国纽约百老汇学习与了解音乐剧, 并将音乐剧进行本土化改造, 打造原创的沉浸式音乐表演类综艺节目, 在每一个音乐故事短片中探寻人生的喜怒哀乐、悲欢离合, 目前看来, 效果颇佳。在音乐故事短片《对不起》中, 三个少年在天台的一场戏, 虽然空间很小, 但创作团队运用了许多隐喻的手法, 比如象征自由的鸽子、代表美好愿望的台灯, 还有三个少年聚在一起互相调侃、谈论梦想的画面, 镜头语言丰富, 人物形象写实, 唱演人的情绪随着音乐不断变化, 同时, 唱演人在多个场景中穿梭, 充分体现了少年追逐梦想的过程, 以及他们的热血青春。
总的来说, 《幻乐之城》是国内首档沉浸式音乐表演类综艺节目, 其独创唱演结合的方式, 让节目嘉宾与幻乐导演组成拍档, 对音乐进行创意设计和剧情式呈现, 具有新颖性和独特性, 让受众获得全新的视听体验, 取得了较好的传播效果。
参考文献
[1]彭月明.国内电视音乐综艺节目的创新趋势[J].新媒体研究, 2017.
[2]张乐.从《跨界歌王》看歌唱类综艺节目的突破与创新[J].出版广角, 2016.
[3]覃晴, 刘丽娜.从《我想和你唱》谈音乐类电视综艺节目跨屏互动的模式创新[J].当代电视, 2018.
